材質的存在｜木質與金屬的對話(下)

 

       潘煒中1994年出生於台北。作品擅長以人作為具像呈現方式，試圖探討人與木之間的關聯性，並透過觀察週遭與自我本身的理解來進行創作。「挖」與「掏」是一種探索知識的動作，潘煒中希望以此方式更深入地探索人的內在，並在不同的個體上創造屬於他們的負空間。

        本次展出作品《此在》是透過海德格一書中所得到的靈感，由「此時此地」以及「存有」的概念所組成。當人意識到人終將一死時，會深刻反思生命的意義，而潘煒中認為在那一瞬間已經貫穿生命的連線，成為不可抹滅之存在。他所使用的原生素材皆以樟木為主體，當木頭被鋸下的那一刻，生命被完全終止在一個時段，就像樹洞一般，同時創造出不可抹滅的記憶，由此貫穿人與木不可被取代的關聯性。

潘煒中《此在》樟木、油彩，(W) 45*(D) 35* (H) 170 cm，2019

        黃彥鈞1995年出生於新北市，擅長運用類編織手法翻轉金屬量體笨重且堅硬的材質感。他利用線、片或單一元素構成立體作品，展現重複交疊所形成的不緊密與可穿透空間感，使作品重量的視覺感輕於同樣量體之體塊作品，並運用金屬材質的鏡面效果，將一層薄膜黏貼於造型之上，營造出軟化金屬材質的效果。

        本次展出作品為《☉》，以抽象的造型和材質效果與觀者進行無聲的對話。選用銅片與線此種既堅韌卻又沒有鋼鐵那麼絕對之金屬，運用竹編的造型並從編織物縫隙中鑽出的線材進行遮擋，內部的鏡面讓觀者經過時隱約看到裡頭的變化而激起探察的慾望，而在觀察內部時卻又會被許多錯綜的元素干擾，營造一種吸引觀眾前來又不讓觀眾看盡的效果。

黃彥鈞《☉》紅銅、不鏽鋼，(W)45*(D)45*(H)40 cm，2019

        謝衡1994年出生於臺南。謝衡擅長將傳統的平面山水主題繪畫，以木頭刻出再回拓於紙上，將立體的木雕創作與傳統平面山水繪畫作出精彩的對話，同時也發展出「宗教與像」的系列創作，運用現成物的文化語彙傳達視覺上與傳統印象中的落差感，以探討木材材質在形象和精神意義上的關係，並從中提問其在宗教上扮演的重要性。

        本次展出作品《太湖石出景》，緣由來自千百年來，賞石、藏石僅是封建帝王將相、士大夫文人等有閒階級的獨霸娛樂。今日隨著社會的進步和經濟文化的發展與提高，廣大勞動人民開始追求更高層次的精神生活，賞石、藏石已經成為群眾性的日常文化活動。近現代的太湖石則更加貼切這一點，而太湖石之所以成為中國傳統文人藝術中一個奇葩，原因在於在古人將石頭的美，看作是自然界靈魂與人的靈魂相融、感染和浸潤的結果。

謝衡《太湖石出景》樟木、壓克力彩，(W) 25*(D) 70* (H) 15 cm，2019

        林皓鈞1998年出生於桃園，創作方向是造型的組合和構成，嘗試探索造型的韻律、美感和安排，試圖讓觀者思考造型存在於我們生活中的各種變化，對他來說，藝術有很多形式和變化，是可以無中生有且沒有對錯的，運用這般無拘無束的特性，期望自己能夠在創作中隨著框架自由變化，尋找突破的方向。

        本次展出作品《形釋》，創作者欲闡釋是形式還是形釋，是解放造型還是遵照形式？他將核狀造型物件放大，展現人們生活中的微小物件在放大之後也能如此迷人。而核狀的造型在空間中是危險且快速的，因為在放大之後其銳利度又更容易被看見而顯得危險，而這個造型的存在也猶如裂縫般，正在破壞一個空間；另一件作品《律》，創作者欲呈現作品在造型上的視覺流動感，意即觀者的視覺在觀賞作品時，能夠隨著切割鐵管的邊緣線上移動。此作品是由三根管子所構成的，因他認為「三」這個數字具有簡單和互相關聯的意義，是簡單的最大值， 卻也是複雜的最小值，於是在外型上隨著切面的變化營造豐富的線條。而三根管子為中空狀態，隨著作品內部空間被打開，他也試圖營造一個虛實空間，具有最簡單又有變化的造型。

林皓鈞《形釋》鐵圓管，(W)23*(D)23*(H)165 cm，2019

林皓鈞《律》鐵圓管，(W)33*(D)33*(H)200 cm，2019

 

       吳權恩1997年出生於南投，一直以來的創作主題環繞在審視教育體制所發現的問題點，藉由創作來了解自我和過去受教育影響的種種制約。一開始主要是以人物創作為主，後來嘗試將「人」這個符號消除，或是運用物件來創作。未來將透過不同的媒材與元素結合，嘗試找出更能夠完整表達作品的手法，並會持續將教育方面的議題做為創作的主軸。

        本次展出作品《記憶時光》透過幽默詼諧的方式，呈現在過去的體制教育中， 學子們常常因為上課內容感到無聊、無趣，於是在課堂上打瞌睡的景象。在構思作品時也考量到了檯座的部分，不同以往架上雕塑所使用的檯座，而使用課桌椅結合的方式將檯座一併融入作品當中，使其成為作品的一部分，試圖引起觀者憶起以往時光情景的共鳴。

吳權恩《記憶時光》樟木、木課桌椅、二度底漆，(W)70*(D)55*(H)85 cm，2019

       沈孟伸1998年出生於嘉義，目前就讀臺灣藝術大學雕塑系三年級，擅長以不鏽鋼打磨拋光做為一系列作品，並嘗試不同材質的結合。

        本次展出作品《椅子》，試圖找尋將周遭環境介入作品的方法，並使作品融合以致於隱藏環境之中。他利用鏡面不銹鋼的特性做了一張看似平凡的椅子，作品以完全的鏡面呈現，使其輪廓在空間中弱化，而光線使作品被環境反射削弱，讓這張椅子成了一種若有似無般的存在。

沈孟伸《椅子》不鏽鋼，(W)45*(D)45*(H)90 cm，2019

       芝田典子1975 年出生於日本山梨縣，芝田典子以「葉隙流光（こもれび）」的概念貫穿她的作品，這個現象有 3 個意思，即「治癒心靈的意義」、「悲傷的意思」和「一層膜」。在這種現象中，葉子是過濾器，光影透過葉子投射在地面上，當風吹拂和陰晴變化時，所形成的一個美麗的景象。透過樹葉間隙灑落的陽光，視覺上富有詩意，也象徵人們面對著自然，感受到力量、威脅和療癒而自省。除了治癒心靈的意義之外，「葉隙流光」這個詞也帶有短暫而悲傷的意涵，與這種情感形象相反的是，陽光可能直射落在樹葉上，光線通過樹葉的間隙傾洩，意味著當太陽的光線傾洩時，葉子將作為過濾器。換句話說，樹葉就成了一層膜，兩邊是不同的世界，但並非徹底的二分隔絕，反之它具有連結的作用。通過在作品中做一層膜，芝田典子認為它可以表達「葉隙流光」，並且認為每個人對於無形的「光」感受皆不同，尤其透過樹葉間隙灑落的陽光充滿視覺的詩意，創造美麗瞬間的同時也能夠撫慰觀者，於是將作品以打洞的方式表達「葉隙流光」這個美麗的瞬間。

        本次展出作品《灰椋鳥》使用以往「葉隙流光」的手法表現太陽光線將之穿透的意象，藝術家也希望觀者藉由觀賞作品，想像自己站在樹葉間，被灑落下來的陽光以及大自然包覆的感覺。

芝田典子《灰椋鳥》樟木、壓克力彩，(W)45* (D)25* (H)44cm，2019

        朱承霖1998年出生於宜蘭，目前就讀臺灣藝術大學雕塑系三年級，創作媒材以金屬構成的立體作品為主，主題多以人與動物間的關係進行探討。

        本次展出作品為《鱟》，鱟是一種生存在地球上四億年、比恐龍還久的活化石，因為演化，牠們身上存有特別的免疫系統，這種免疫系統現今也被使用在人類身上，它不僅能檢測出細菌的存在，也廣泛運用到偵測宇宙生命的重要用途上。因此鱟的存在扮演著十分重要的角色，藝術家刻意將鱟的尺寸放大，因為年紀決定了鱟的大小，藉此營造出他們能存活的更長遠的意象。

朱承霖《鱟》不鏽鋼，(W)80*(D)80*(H)33cm，2019

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